Penyebarluasan Kesadaran Konservasi Alam melalui Kesenian Tanen

Purnawan Andra*

Seni sebagai karya kreatif dalam bentuk dan cita rasa estetis merupakan bagian dari hidup masyarakat. Keberadaan seni berkembang dari aktivitas kognitif yang murni dengan cara-cara yang dipakai manusia. Sajak bermula dari ucapan, dialog. Tari berawal dari gerakan atau gesture. Begitu juga seni yang lain.

Oleh karena itu keberadaannya telah berakar kuat dalam sebuah kerangka kerja tentang kehidupan kolektif. Seni merupakan sebuah bentuk komunitas umum yang intens, sehingga menambah kekuatan komunikasinya dan bahkan memperluas maknanya. Itulah sebab mengapa di setiap kesatuan masyarakat tumbuh dan berkembang berbagai kesenian.

Di Dusun Grintingan, Desa Lencoh, Kecamatan Selo, Boyolali, terdapat kesenian Tanen yang menggambarkan kehidupan sehari-hari masyarakat setempat dalam bertani. Sesuai namanya, Tanen menggambarkan semangat mereka dalam mengolah tanah ladang pertanian, mencangkul, menyabit dan menyiangi rerumputan, memupuk sampai dengan sukacita panen.

Kesenian yang berkembang dari seni ketoprak yang hidup di dusun tersebut sejak dua dekade lalu itu, dimainkan oleh 7 pasang pemuda berpakaian sorjan ala petani, diiringi gamelan Jawa lengkap. Diluar kenyataan kaya dan beragamnya jenis kesenian di daerah Merapi-Merbabu, kebanyakan kesenian rakyat wilayah ini menampilkan sosok prajurit dengan atau tanpa menunggang kuda, maupun bertokohkan buto (raksasa). Tanen menjadi alternatif tontonan yang menarik untuk melihat potret realitas masyarakat setempat.

Sebagai bagian dari masyarakat agraris, Tanen memiliki penyikapan yang jelas dalam bidang pertanian, konservasi alam dan lingkungan hidup. Selain dengan tegas terlihat pada geraknya, hal ini juga muncul dalam lirik lagu yang digunakan (Syiar Budaya dan Konservasi), properti iringan musik (kentongan) dan konteks awal fungsi keseniannya.

Sistem Simbol

Ditinjau dari ilmu sosial, tari menghubungkan antara kesadaran kolektif, struktur sosial, individu, fungsi tari dalam struktur itu. Secara tekstual, tari dapat dipahami dari bentuk dan teknik yang berkaitan dengan komposisinya (analisis bentuk atau penataan koreografi) atau teknik penarinya (analisis cara melakukan atau ketrampilan). Sementara secara konsep yang berhubungan dengan sosiologi ataupun antropologi, tari adalah bagian integral dari dinamika sosio-kultural masyarakat. Keduanya diberlangsungkan melalui simbol-simbol yang ada dalam tariannya.

Sistem simbol adalah sesuatu yang diciptakan oleh manusia dan secara konvensional digunakan bersama, teratur dan benar-benar dipelajari sehingga memberi pengertian hakekat ”manusia”, yaitu suatu kerangka yang penuh arti untuk mengorientasikan dirinya kepada yang lain, kepada lingkungannya dan pada dirinya sendiri, sekaligus sebagai produk dan ketergantungannya dalam interaksi sosial (Sumandiyo Hadi, 2005). Jadi tari dipandang sebagai sistem simbol yang merupakan representasi mental dari subyek dan wahana konsepsi manusia tentang suatu pesan untuk diresapkan.

Tari sebagai sistem simbol dapat pula dipahami sebagai sistem penandaan. Artinya kehadiran tari tidak lepas dari aspek geraknya, iringan, tempat, pola lantai, waktu, tata pakaian, rias dan properti. Sistem penandaan ini mengandung makna harfiah dan langsung ditunjukkan menurut konvensi yang dibentuk bersama oleh masyarakat atau budaya dimana simbol atau tanda itu berlaku.

Dalam konteksnya, Tanen dipentaskan pada setiap perayaan tanggal 28 Sapar. Sebagaimana halnya arti bulan Sura di sebagian besar daerah Jawa, Sapar mempunyai arti penting di Grintingan. Di bulan ini dilakukan upacara memohon berkah keselamatan dan kesejahteraaan bagi masyarakat setempat. Terkait dengan sebagian besar penduduknya yang bermata pencaharian sebagai petani, maka dilakukan ritual kenduri dan penanaman bibit pohon di sekitar mata air yang mengairi dusun mereka.

Di luar kepercayaan adanya pepundhen seperti umumnya kelompok masyarakat Jawa lainnya, kesadaran konservasi alam telah tersurat di Grintingan. Dan hal ini berlanjut pada bentuk pementasan Tanen.

Dari lirik lagunya terungkap seruan konservasi: He prakanca aja bingung/ Ayo jaga gunung-gunung/ Merbabu lan Merapi/ Lumakune konservasi/ Uga penghijauan iki/ Dadi sarana sayekti panguripan/ Warga ing Lencoh, Selo (hai teman-teman jangan bingung/ mari menjaga gunung-gunung/ Merbabu dan Merapi/ berlangsungnya usaha konservasi/ dan juga penghijauan ini/ menjadi cara mencapai hidup yang lebih baik/ bagi warga di Lencoh, Selo).

Dalam geraknya, secara tidak langsung Tanen telah menyiratkan langkah-langkah pola pertanian yang selama ini dirumuskan pemerintah melalui kebijakan pertaniannya. Masyarakat Grintingan justru telah melampaui kesadaran semacam itu dengan cara mereka sendiri, yang tercermin dalam gerak-gerak kesenian Tanen. Vokabuler gerak yang dimaksud adalah nyabit, ngarit, macul dan juga jlong-jlong.

Inilah kebijaksanaan lokal berupa pengetahuan diri, menggali makna dan hubungan secara lebih luas, memiliki perspektif luas, mengambil perspektif dalam pertimbangannya, mempunyai pandangan akurat mengenai kelebihan dan kekurangan dirinya (termasuk batas-batas apa yang dapat dilakukan), serta melihat dengan hati terhadap persoalan-persoalan penting (Leary, 2005).

Media Efektif

Meski demikian patut dipahami bahwa pandangan sistem simbol menunjuk pada konsep,, bukan pada bendanya. Tari merupakan simbol presentasional yang menunjuk pada makna tersembunyi yang memerlukan interpretasi, yaitu mengungkap makna yang tersembunyi di balik makna yang langsung tampak, atau mengungkapkan tingkat makna yang diandaikan di dalam makna harfiah (Langer, 1983)

Selain fungsi integratif bagi masyarakatnya, Tanen justru menampakkan konsep pertunjukannya sebagai mediator, tanpa jatuh pada penampakan yang vulgar, dan oleh karenanya banal. Konsep konservasi alam dan lingkungan hidup mengalir dengan lancar dan nyaman tergabung dalam ekspresi keseniannya.

Tanen mempunyai nilai lebih sebagai kesenian yang unik, berbeda dengan kesenian sekitarnya, yang justru merepresentasikan ciri khas daerahnya. Oleh karenanya ia mampu menarik banyak penonton. Pada titik inilah Tanen bisa menjadi media efektif untuk penyebarluasan nilai kesadaran konservasi alam dan lingkungan.

Tidak hanya pada masyarakat petani yang tentu saja mempunyai ketergantungan mutlak pada kelestarian alam, seiring dengan meningkat isu pemanasan global, konservasi alam memang menjadi suatu keniscayaan.

Kesenian setipe bisa jadi banyak terdapat di Indonesia. Beberapa tari seperti tayub, maengket dari Minahasa atau tari lenso dari Maluku berlaku sebagai ritus kesuburan, baik kesuburan tanah maupun kesuburan manusia itu sendiri.

Akan tetapi dengan sistem simbol yang berlapis dalam elemen artistik, konteks dan perwujudannya, menjadikan pemahaman mengenai nilai yang ada di baliknya diterima searah dan tidak seluruhnya tersampaikan kepada masyarakat yang mempunyai bekal pemahaman beragam. ”Kegagalan” semacam ini pula yang menjadi alasan tudingan kepada tayub sebagai satu kesenian yang patologis.

Tanen justru menampilkan suatu kesederhanaan bentuk dan cara ucap yang mampu menunjukkan bernasnya nilai-nilai yang ada di baliknya. Konsep konservasi menjadi terbahasakan dan oleh karenanya tersampaikan kepada masyarakat. Hal ini penting untuk bangsa Indonesia yang bhinneka dan sebagian besar penduduknya petani.

Élan vital yang berkelanjutan semacam ini berkontribusi sebagai daya hidup bagi proses peradaban bangsa yang multikultur. Termasuk sebagai upaya transformasi nilai, sikap, disparitas terhadap upaya memandang modernitas dan pembangunan (Fauzan, 2005).


*Purnawan Andra l mahasiswa Jurusan Tari, Fakultas Seni Pertunjukan Institut Seni Indonesia (ISI) Surakarta l diterbitkan 15 Oktober 2008 rubrik Forum di Harian KOMPAS JATENG

sumber: http://www.kelola.or.id/blog

Indonesian Dance Festival: Upaya Memproduksi Karya dan Wacana Tari Indonesia

Indonesian Dance Festival

Tahun 2014 ini, Indonesian Dance Festival (IDF) memasuki usia 22 tahun, dan 12 kali penyelenggaraannya. Menilik ulang sejarahnya, festival yang didirikan pada 1992 ini bertujuan mengisi kekosongan festival tari yang berfungsi sebagai ajang regenerasi insan tari Indonesia. Hingga kini, IDF adalah satu-satunya festival tari terkemuka di Indonesia yang secara konsisten menjalankan program-programnya.

Imajinasi tentang sebuah festival atau kegiatan bertaraf nasional yang menjadi ajang penempaan para koreografer muda Indonesia sesungguhnya berhutang pada program Festival Penata Tari Muda yang kemudian bernama Pekan Penata Tari Muda yang diselenggarakan oleh Dewan Kesenian Jakarta dari tahun 1978 sampai 1985. Tercatat, ajang ini telah melahirkan koreografer-koreografer handal Indonesia seperti Gusmiati Suid, Tom Ibnur, Deddy Luthan, Ida Wibowo, Wiwiek Sipala, Wiwiek Widiastuti, dan Ben Suharto.

Hilangnya program ini di awal era 1990-an menimbulkan keprihatinan beberapa tokoh dan akademisi tari terkemuka Indonesia, khususnya mereka yang bernaung di bawah Institut Kesenian Jakarta (IKJ). Pada saat yang sama, Sal Murgiyanto kembali ke Jakarta setelah menyelesaikan studi pengkajian tari di Amerika Serikat. Maria Darmaningsih sebagai sekretaris jurusan Tari IKJ mendorong Sal Murgiyanto untuk menyusun suatu festival tari yang mampu merangkum perkembangan kreatif para koreografer penting, khususnya koreografer muda Indonesia.

Pada tahun 1992, bersama-sama Maria Darmaningsih, Nungki Kusumastuti dan Melina Surjadewi, Sal Murgiyanto merintis IDF. Prakarsa tersebut didukung oleh Farida Oetoyo (yang saat itu menjabat ketua Gedung Kesenian Jakarta), Sardono W Kusumo, Tom Ibnur, Julianti Parani, Deddy Luthan, dan Edi Sedyawati. Penamaan Indonesian Dance Festival sedikit banyak terinspirasi oleh American Dance Festival (ADF) yang pernah dihadiri oleh Sal Murgiyanto, di mana ia turut terlibat mengirim dan mempresentasikan karya seniman tari Indonesia ke ajang tersebut.

IDF pada mulanya merupakan salah satu bentuk kegiatan pengabdian masyarakat dari IKJ. Hingga kini festival ini masih bernaung di bawah bendera Fakultas Seni Pertunjukan (FSP), IKJ. Sejak awal penyelengaraannnya, IDF telah membangun kerja sama dengan berbagai pihak, antara lain Gedung Kesenian Jakarta (GKJ), PKJ TIM, The National Institute of The Arts Taipei, Asian Cultural Council dan American Dance Festival di Durham, North Carolina.

Pada perhelatannya yang pertama (1992), IDF hanya mengundang beberapa koreografer dari Indonesia, di antaranya Indra Utama, Arief Rofiq, Tom Ibnur, Deddy Luthan, Ida Wibowo, dan Sukarji Sriman. Namun pada perhelatannya yang kedua (1993), IDF juga mementaskan karya para koreografer mancanegara, dan hal ini berlangsung hingga sekarang. Edisi IDF yang kedua tersebut menjadi penting karena menandai program baru yaitu showcase, program yang dirancang untuk menampung bibit-bibit berbakat para koreografer muda Indonesia. Program showcase inilah sesungguhnya roh dari IDF. Ia merupakan ajang bagi koreografer muda Indonesia untuk menunjukkan kemampuannya, sekaligus ‘mendewasakan’ dirinya serta memperluas pergaulan dunia tari mereka. Selain memberi tempat untuk para koreografer muda, IDF juga menghidupkan sebuah tradisi yang sudah ada sejak Pekan Penata Tari Muda, yaitu acara diskusi sebagai ajang penggodokan gagasan, kritik, dan juga tempat berbagi pengalaman sesama pelaku tari Indonesia dan mancanegara.

Selama tiga tahun pertama, IDF dilaksanakan setiap tahun (1992, 1993, dan 1994). Namun kegiatan itu dianggap terlalu cepat jika diadakan setahun sekali. Maka semenjak 1994, IDF diadakan setiap dua tahun sekali. Perkembangan politik Indonesia juga mempengaruhi perhelatan festival ini. IDF keempat (1996) sempat terganggu oleh demonstrasi politik oleh PDI di Cikini, Jakarta. IDF kelima, yang seharusnya diadakan pada tahun 1998, terhadang peristiwa Reformasi sehingga ditunda hingga tahun berikutnya (1999). Pendanaan selalu menjadi tantangan. Namun, sejak tahun 2012, di bawah Gubernur DKI Jakarta Fauzi Bowo, IDF dijadikan agenda tetap kegiatan Pemda DKI Jakarta.

Dalam kurun 1992 hingga 2004, IDF dipimpin oleh Sal Murgiyanto. Tahun 2004 adalah masa peralihan. Maka pada perhelatan tahun itu, Nungki Kusumastuti menjabat sebagai Direktur Eksekutif. Selanjutnya, Nungki Kusumastuti menjabat Direktur IDF sejak 2006-2008. Kini, Direktur IDF adalah Maria Darmaningsih (2008-sekarang). IDF telah berhasil menampilkan karya-karya signifikan para koreografer Indonesia baik yang sudah mapan maupun yang sedang berkembang, juga mementaskan karya-karya koreografer dari berbagai penjuru dunia. Dari Indonesia, antara lain karya Retno Maruti, Gusmiati Suid, Sardono W. Kusumo, I Ketut Rina, Sukarji Sriman, Martinus Miroto, Mugiyono Kasido, Eko Supriyanto, Boi G. Sakti, Hartati, Benny Krisnawardi, Ery Mefri, dan Jecko Siompo. Sementara dari mancanegara tersebut Ku Ming-Shen (Taiwan), Min Tanaka (Jepang), Takiko Iwabuchi (Jepang), Cezerine Barry (Australia), Wen Hui (PR China), Susanna Leinonen (Finlandia), Janis Brenner, Yin Mei Critchell (Amerika Serikat), Arco Renz (Belgia/Jerman), Meg Stuart (Jerman), Vincent Mantsoe (Afrika Selatan/Prancis), Kim Jae Duk (Korea Selatan), Jerôme Bél (Perancis), dan banyak lagi. Juga dihadiri para pengamat, peneliti dan kritikus tari internasional di antaranya, Jochen Smith (Jerman), Judy van Zyle, Adrienne L. Kaeppler (Smithsonian Institution), George Kochi, dan lain-lain. Sejak 2006, IDF juga melibatkan kurator internasional sebagai anggota artistic board, yaitu Tang Fu Kuen dari Singapura (sejak 2006) dan Daisuke Muto dari Jepang (sejak 2008).

Salah satu penampil IDF

Dimulai dari lingkungan akademis Institut Kesenian Jakarta, IDF pun mengembangkan visi festival yang berpijak pada konteks pengalaman tari Indonesia yang hidup dalam kisaran dan pertemuan dari berbagai akar budaya yang sangat beragam. IDF memang diciptakan sebagai wahana pertemuan kreatif berbasis pengalaman lintas budaya sebagai proses pembelajaran bagi semua orang untuk menjelajahi dan menyelami keragaman kultural yang ada melalui koreografi sebagai sebuah bahasa.

Secara khusus, proses pembelajaran itu diarahkan pada pengembangan pendidikan seni tari yang bertolak dari berbagai konteks tadi, baik yang tradisional, modern maupun kontemporer melalui program-program pertukaran antar sesama seniman tari Indonesia dan mancanegara berupa kolaborasi, workshop, presentasi (pementasan), seminar dan master class. Program-program itu dirancang sebagai ajang memperkenalkan karya para koreografer muda sekaligus ruang mediasi antara karya-karya koreografi dengan masyarakat luas Indonesia.

Awalnya, IDF adalah perayaan ragam karya koreografi sebagai wahana untuk membuka diri terhadap segala perbedaan identitas sebagai sumber terciptanya berbagai kemungkinan dialog atau bentuk-bentuk kolaborasi guna mendorong kreativitas kepenarian dan koreografik seniman tari Indonesia. Sebagai festival yang berpijak pada pengembangan pendidikan tari, IDF juga berusaha tanggap terhadap kebutuhan praktik di dunia tari kontemporer, diantaranya memediasi beragam lokalitas tari Indonesia dengan perkembangan di ranah global. menghubungkan pengalaman yang lokal dan global.

Tahun ini, IDF berbenah diri dan merefleksi ulang perjalanannya yang terwujud dalam program kuratorialnya. Jika selama ini panggung IDF didominasi oleh karya-karya yang sudah pernah dipentaskan, tahun ini IDF ditandai oleh kombinasi karya baru para koreograer Indonesia (premiere), karya koreografer mancanegara yang secara artistik dianggap memiliki terobosan dengan beberapa karya koreografik baru, diantaranya dua karya yang diproduksi atau di ko-produksi oleh IDF sendiri. Mengambil posisi sebagai ‘produser’ secara sadar adalah terobosan baru. Produser di sini bukan sekadar sebagai produser karya tari, tapi juga produser wacana – melalui mana intervensi kritis terhadap praktik tari kontemporer dilakukan. Tahun ini, IDF akan dibuka oleh sebuah produksi baru atas tafsir ulang Roro Mendut, hasil kolaborasi koreografer Retno Maruti dan perupa Nindityo Adipurnomo, dan ditutup oleh Kris Is, kolaborasi koreografer Arco Renz dari kelompok tari Kobalt Works (Brussel), Melanie Lane, Ali Sukri – koreografer yang juga dosen tari – dengan enam penari muda mahasiswa/lulusan ISI Padangpanjang. Untuk Kris Is, IDF bekerja sama dengan Kobalt Works dan Komunitas Salihara dalam bingkai ko-produksi.

Sumber: http://indonesiandancefest.org

Pentas teater-tari kolaborasi Indonesia-Jepang

Teater Garasi/Garasi Performance Institute dan Wati Gandarum mempersembahkan
Pentas teater-tari kolaborasi Indonesia-Jepang

TO BELONG/SUWUNG
Sebuah penghormatan untuk Slamet Gundono
JAKARTA, 16-17 Desember 2014 pukul 20.00
GoetheHaus, Goethe Institute Jakarta
SOLO, 20 Desember 2014 pukul 20.00
Teater Besar, Institut Seni Indonesia Surakarta
Diskusi
“Slamet Gundono dan Pergaulan Seni Lintas Disiplin Lintas Bangsa”
Wisma Seni Taman Budaya Surakarta 21 Desember
Pukul 15.00 – 18.00 WIB
Koreografer, Sutradara: Akiko Kitamura
Dramaturg, Sutradara: Yudi Ahmad Tajudin
Penampil: Endah Laras, Rianto, Kana Ote, Yuki Nishiyama, Llon Kawai, Luluk Ari
Pengarah video: Akihiko Kaneko
Dramaturg & Produksi video: Saki Yamada
Pengarah musik: Yasuhiro Morinaga (menampilkan lagu-lagu Ki Slamet Gundono, Mohammad Marjuki a.k.a Kill the DJ, Endah Laras)


Tentang Karya

“To Belong/Suwung” bertolak dari dan berisi banyak pertanyaan. Berawal dari pertanyaan-pertanyaan yang kami miliki ketika melintasi samudera lalu banyak bercakap dengan “liyan”. Beragam ekspresi tubuh, tari kontemporer, tari tradisional, seni bela diri dan memori-memori tubuh dari masing-masing penari kemudian berbaur, hingga kami lalu paham bahwa menari adalah juga perihal “merasakan” dan melampaui sesuatu melalui proses dialog. Melalui pertemuan dengan liyan, komunikasi kami lalu menciptakan semacam medan magnetik dari gerakan-gerakan yang mencekam, yang bisa jadi merupakan salah satu fenomena dari pengalaman melampaui diri sendiri.

“Suwung” adalah istilah dalam Bahasa Jawa yang mengandung makna “merasakan kehadiran sesuatu meskipun tak nampak/tak kasat mata”. Melalui karya ini Akiko mencoba meraih sesuatu yang tak nampak, yang melampaui kesadaran dan ketampakan, demi mencari sebuah dialog. Selama proses, dia mempelajari konsep baru tentang waktu yang bertumpuk, berulang dan dihidupkan kembali. Ia juga mencoba berdialog dengan masa lalu dan yang telah tiada untuk memulai perjalanan panjang demi menemukan jalan baru untuk terlibat dengan liyan.

Akiko Kitamura telah menjadi salah satu yang terdepan dalam dunia tari kontemporer Jepang dengan terus menerus membuat tantangan baru. “To Belong/Suwung” adalah seri keempat dari proyek kolaborasinya dalam upaya menyelaraskan konsep-konsep (tari, waktu, spiritualitas dan visibilitas) Jepang dan Indonesia. Kitamura telah menginvestigasi batas-batas untuk berupaya “melampaui” tari melalui pembacaannya atas filosofi timur tentang siklus kehidupan dan energi di dalamnya. Menggunakan disiplin seni bela diri Jepang dan Indonesia, ia mengamati ihwal ‘aksi’ dan ‘reaksi’ yang timbul dari gerakan tubuh yang dinamis, serta perihal ‘energi’ melalui gerakan.

Selain itu, khasanah tari tradisional dari dua kebudayaan itu juga membuka percakapan spiritual dengan “yang tak nampak”. Konsep–konsep tematik ini ia jelajahi melalui medium tubuh, dan di dalam ruang yang dirancang secara khusus.

Musik yang digarap oleh Yasuhiro Morinaga menggabungkan beragam rekaman lapangan (fieldwork recordings) termasuk merekam suara Slamet Gundono, lagu-lagu Endah Laras, dan musik hip-hop Mohamad Marzuki, dengan lebih dari 100 track rekaman lain yang ia ambil dari berbagai sumber. Seni visual (video) menambah dimensi lain pada pertunjukan. Menggunakan imaji-imaji grafis dan animasi, imaji-imaji itu seperti menciptakan ulang konsep ‘perjalanan dari satu tempat ke tempat lain’ yang juga digambarkan oleh gerakan tubuh para penari.

To Belong/Suwung dan Slamet Gundono

Sejak tahun 2011, Akiko Kitamura, salah satu koreografer ternama Jepang, memulai sebuah proyek kolaborasi tari kontemporer Jepang-Indonesia. Setelah melanglang buana dengan karya-karya tarinya (seperti “Finks” dan “Ghostly Round”, untuk menyebut beberapa karya tarinya yang telah dipentaskan di lebih dari 40 negara di Eropa, Amerika dan Asia), ia ingin mencari dan menemukan ‘tubuh’ Asia dalam tari kontemporer. Keinginan yang mengantarkannya pada hasrat untuk berdialog dengan yang ‘asing’ dan yang ‘tak tampak’ (invisible). Ia pun lalu pergi ke Indonesia, empat tahun lalu, untuk memulai riset proyek kolaborasi internasional ini.

Di Indonesia ia bertemu dengan beberapa seniman ternama. Salah satu yang terpenting adalah pertemuannya dengan Ki Slamet Gundono. Dari pertemuan dan diskusinya dengan dalang muda yang dianggap istimewa ini, karena dengan bermodalkan basis tradisi yang kuat ia banyak bereksperimentasi yang membawa wayang pada pergaulan lintas disiplin, Akiko menyusun fondasi dasar proyek kolaborasi yang kemudian ia beri judul “To Belong”.
Karya tari kolaborasi Indonesia-Jepang yang kemudian tercipta ini terus ia jelajahi dan tekuni. Pada tahun 2013 awal ia mengundang beberapa seniman muda Indonesia ternama, seperti Yudi Ahmad Tajudin (direktur artistik Teater Garasi, penerima Prince Claus Award 2013 dan Anugerah Seni tahun 2014 dari pemerintah Indonesia), yang ia minta berkolaborasi sebagai co-director dan dramaturg, Mohamad Marzuki, a.k.a Kill the DJ (seniman yang berhasil mendialogkan musik hip-hop dengan tradisi Jawa dan telah tur di Amerika) serta Endah Laras (penyanyi serba bisa dengan basis tradisi yang kuat), yang berkolaborasi dengan Yasuhiro Morinaga (seniman suara ternama Jepang) dalam penciptaan musik dan lagu untuk To Belong versi baru: “To Belong/Suwung.”

Kehadiran seniman-seniman muda Indonesia ini membuat “To Belong/Suwung” berkembang menjadi karya yang semakin matang dan telah dipentaskan di Nagano-Jepang (November 2013), Singapura (Maret 2014) dan terakhir di festival tari internasional “Dance New Air” di Tokyo-Jepang (Oktober 2014), dan mendapatkan sambutan yang hangat dari penonton dan kritikus tari internasional. Di samping itu, 3 penari dari Solo, yang termasuk jajaran penari terbaik Indonesia saat ini (Danang Pamungkas, Luluk Ari dan Rianto Dewandaru) yang berkolaborasi dengan 3 penari terbaik Jepang (Kana Ote, Llon Kawai dan Yuki Nishimura), membuat “To Belong/Suwung” dideskripsikan oleh kritikus tari di Jepang sebegai karya yang berhasil “meredefinisi ‘tubuh-asia’ pada generasi baru penari di Asia”.

Meskipun demikian, pemikiran dan lagu-lagu yang diciptakan Ki Slamet Gundono untuk proyek ini tetap menjadi salah satu dasar yang penting dan tak tergantikan. Dan dengan sedih proyek kolaborasi ini, di samping komunitas seni pertunjukan Indonesia, mengalami kehilangan yang sangat besar ketika dalang muda yang istimewa ini wafat di awal tahun 2013.

Menyadari bahwa sebagai sebuah karya kolaborasi ”To Belong” berhutang besar pada Slamet Gundono, Akiko Kitamura dan seluruh seniman Indonesia-Jepang yang terlibat merasa penting untuk mementaskan “To Belong” di Indonesia, sebagai persembahan (tribute) bagi seniman yang tak hanya penting untuk seni pertunjukan Indonesia tetapi juga dunia ini. Kontribusi Ki Slamet Gundono sangat besar dalam karya ini dan merupakan keterlibatannya yang terakhir dengan dunia seni pertunjukan internasional. Dalam karya ini lagu terakhir yang diciptakan Ki Slamet Gundono sebelum wafat menjadi bagian yang sangat penting, dan belum pernah diperdengarkan di Indonesia. Karena itu, ide mementaskan “To Belong/Suwung” sebagai tribute pada almarhum atas seluruh sumbangannya bagi dunia seni di Indonesia maupun Internasional, kami rasa sebagai sebuah ide yang penting untuk diwujudkan.

Pertunjukan ini disponsori oleh Arts Council Tokyo dan Djarum Foundation serta didukung oleh Goethe-Institute, Yayasan Taut Seni, Kementrian Pariwisata & Ekonomi Kreatif Republik Indonesia, Institute Seni Indonesia Surakarta, Taman Budaya Jawa Tengah dan Koalisi Seni Indonesia.

sumber: http://teatergarasi.org

Seni Berbasis Tradisi Tak Pernah Mati

Tari Cangget Lampung

oleh Nasrul Azwar

Menyaksikan pementasan Hanacaraka (Ada Utusan)karya koreografer Boby Ari Setiawan yang digelar di Ladang Nan Jombang, Padang (18/11), tak ubahnya memasuki lorong waktu yang panjang.

Pementasan ini mengingatkan pada tulisan Eugenio Barba berjudul Anatomie de L’ Acteur (1985) yang telah diterjemahkan Yudiaryani ke dalam bahasa Indonesia. Dikatakan, bahwa tidak ada pementasan tanpa rajutan “teks.”

Anatomi penari atau aktor dalam teater saat berada di atas panggung tak ubahnya “teks.” Tubuh mereka mentransfomasikan teks dan simbol kepada penonton. Jika hal ini tak terbaca, maka mereka dianggap gagal mengomunikasikan aksinya kepada audiens.

Perhatian koreografer tak sebatas komposisi gerak dan simbolisasi di atas pentas. Ia juga memperlakukan suara, transformasi properti, dimensi ruang dan waktu, cahaya, musik, karakter, emosi, tempo permainan, dan laku sebagai “teks.”

Itulah sebabnya memasuki pementasan Hanacaraka terasa seperti memasuki lorong waktu yang panjang. Analoginya terletak pada persoalan dimensi waktu dan “jarak” kultural antara Jawa (latar garapan koreografi ini) dengan Minang (penonton).

Jika ditilik lebih jauh, ada kemungkinan timbul beragam tafsir di benak penonton tentang Hanacaraka. Namun secara keseluruhan, pertunjukan tari yang disuguhkan Boby dan kawan-kawan ini apik, tertata. Ia memang mempersiapkannya secara serius dan matang.

Membaca sinopsis Hanacaraka di leaflet, lalu mengikuti pertunjukan berdurasi sekitar 60 menit ini, terasa ada “pembenaran” kata-kata di atas panggung. Ide gagasan tak melenceng dari hasil pementasannya. Konsistensi ini tentu saja menjadi poin tersendiri

Boby mengatakan, tulisan aksara Jawa atau Hancaraka adalah sumber eksplorasi gerak dan inspirasi penciptaan tarinya.  Ia menyelaraskan benang merah antara gerak tari Jawa dengan tulisan aksara Jawa.

Penonton merupakan elemen penting pertunjukan. Mereka adalah pertimbangan utama dalam penggarapan koreografi. Jadi tantangan tersendiri bagi Boby membuat pementasan yang bisa diapresiasi oleh penonton yang bukan latar budaya Jawa, melainkan Sumatra.

Lakon tari Hanacaraka menjadi pintu masuk bagi penonton—non Jawa—untuk memahami pesan yang disampaikan Boby lewat gerak tari. Hal ini terungkap dalam diskusi yang digelar setelah pementasan. Bertindak sebagai moderator: S. Metron M., sutradara Ranah Teater.

Boby menjelaskan bagian-bagian yang diubah dalam pementasannya. Untuk pertunjukan di Gedung Sendratasik Universitas Islam Riau (UIR), Pekanbaru (14/11), Boby mengubah kostum  penarinya. Penari perempuan mengenakan jilbab, penari lelaki tak memakai celana ketat.

Perubahan yang dilakukan Boby secara sadar ini tentu saja memiliki konsekuensi artistik terhadap karyanya. Bisa jadi sajian dan tanggapan penontonnya berbeda dengan pementasan di dua lokasi lain, Padang Panjang dan Padang.

“Karya tari sangat erat dengan penempatan atau lokasi di mana ia dipentaskan. Maka tari itu tampil dengan pengaruh budaya, agama, dan sosial masyarakat setempat,”  kata Boby dalam diskusi tersebut.

Pesan yang disampaikan Gerak Tubuh


Hanacaraka dibawakan tiga penari perempuan (Cahwati, Tri Rahajeng dan Widya Ayu) dan tiga penari pria (Boby Ari Setiawan—koreografer, Sandi Dea dan Kristiyanto). Tubuh mereka memberi makna luas dan simbol tegas terhadap aksara Jawa, juga sisi lain dari perjalanan panjang evolusi budaya Jawa.

Di atas panggung, tubuh penari menjadi aksara-aksara, tak ubahnya ritual-ritual dalam tradisi Jawa. Gerak tubuh enam penari merepresentasikan keduapuluh aksara Jawa sekaligus menerangkan falsafah hidup dalam kultur Jawa.

Idiom dasar (substansi) tari adalah gerak tubuh. Dalam buku Tari Komunal yang disusun Endo Suanda dkk disebutkan, tubuh dalam tari adalah bagian dari instrumennya—kesatuan utuh individu, baik dari sisi fisik (otot, tulang), pikiran (penalaran), maupun batin (rasa, jiwa).

Tari merupakan perwujudan ekspresi secara personal. Dalam hal ini, Boby, lewat lakon Hanacaraka, menggabungkan teknik gerak tari tradisi Jawa dengan mengeksplorasi setiap huruf aksara Jawa ke dalam gerak tubuh.

Dalam falsafah Jawa, Hanacaraka berarti ada utusan. Dikisahkan, dua utusan Dora dan Sambodo yang menempuh ajal karena sama-sama memegang prinsip yang diamanatkan oleh sang tuan, Adji Saka.

Oleh Boby, selaku koreografer, Adji Saka direprentasikan sebagai kunci dan pusat dari semua gerak, cerita, dan simbolisasi. Kendati gerak tubuh masing-masing penari merupakan gerak personal, tetapi ia menyatu jadi sebuah gerak bersama dan reaktif.

Inilah kelebihan karya koreografer kelahiran Klaten, 1983. Gerak para penari terbaca sebagai simbol dan “cerita.” Boby berhasil membahasakan tarinya yang berlatar Jawa menjadi pesan atau bahasa universal—bisa dipahami para penonton yang berlatar kultur budaya berbeda.

Diskusi ini juga menyoroti musik pengiringnya. “Ini sesuatu yang baru. Secara keseluruhan, musik mampu memancing emosi, dan bisa mengantarkan klimaks cerita tari ini dengan sangat baik,” kata Anduska, komposer asal Padang, yang menggarap musik Hanacaraka.

Sementara itu, Kepala Kantor Balai Pelestarian Nilai Budaya Padang Nurmatias, yang juga hadir dalam diskusi ini memuji, Hanacaraka adalah lakon tari berlatar Jawa dengan garapan yang sangat dinamis, kreatif, dan tak monoton.

“Ini berbeda dengan tarian Jawa yang pernah saya saksikan. Ada kejenuhan di dalamnya karena lamban dan cenderung statis. Saya kira, Hanacaraka berhasil mendobrak pakem-pakem tari Jawa yang selama ini terlihat sudah mapan,” kata Nurmatias.

Secara keseluruhan, Hanacaraka dinilai berhasil. Namun tata cahaya yang menggunakan multimedia terlihat dipaksakan dan kadang tidak sinkron dengan gerak tarinya. Untung saja, bisa ditutupi kekuatan gerak tubuh para penari dan artistik panggung, meskipun penggunaan properti terbilang minim.

Seni Berbasis Tradisi Tak Pernah Mati

Sesungguhnya, seni tradisi adalah sumur inspirasi yang tak pernah habis dieksplorasi. Kebanyakan seniman di Indonesia, berkarya dengan konsep berbasis seni tradisi yang melatarbelakangi kehidupan sosialnya.

Begitu pun Boby. Ia dibesarkan dalam sebuah keluarga Jawa yang akrab dengan seni pertunjukan tradisi. Neneknya, Supadmi, adalah dalang wanita terkenal pada masanya, yang sering diundang pentas di Istana Negara oleh Presiden Soekarno.

Menurut Boby, tradisi bukanlah sebuah entitas yang harus dipinggirkan, tetapi bisa dijadikan inspirasi dan pegangan berkarya. Ia menepis anggapan bahwa tradisi bersifat tertutup. Sebaliknya ia menunjukkan tradisi terbuka untuk dieksplorasi.

Boby memandang proses kreatif dan inovasi sebagai dua hal yang tidak kalah penting dari hasil akhir atau karya itu sendiri. Proses kreatif inilah yang mematangkan karya-karyanya dari segi gerak, konsep, maupun ide kreatif.

Dalam berkarya, Boby juga mengutamakan kebebasan untuk bergerak sekaligus bereksplorasi. Karakter kuat tradisi Jawa dimanfaatkannya untuk mengolah rasa dalam karyanya. Tari tradisi memberikan kerangka sekaligus pegangan dalam penciptaan karya.

Sisi inovatif Boby terletak pada penggarapan modern dipadu alur cerita postmodern. Ia mengungkapkan situasi tertentu dengan menggabungkan gerak teatrikal, kontemporer, modern dan tradisional.

Selain Hanacaraka (Ada Utusan), Boby telah menghasilkan Z-C (2009), Touch The Space, Pe-thoy ( 2008), So Close Cyclus (2007), dan Musro (2006).

Kreativitas Boby mendapat perhatian dari Ery Mefri, koreografer sekaligus pemilih Ladang Nan Jombang.

“Seniman masa kini harus berterima kasih kepada seniman tradisi. Banyak seniman besar masa kini yang lahir karena sentuhan tradisi, baik gagasan maupun konsepnya. Boby tak bisa menghindar dari tradisi budaya Jawa.  Saya sendiri pun tak bisa lepas dari seni tradisi Minang,” kata Ery Mefri.


Menyelamatkan Warisan Seni Budaya


Konsep yang disebut Ery memang salah satu upaya penyelamatan seni tradisi yang demikian kaya di Nusantara. Generasi muda bisa mengenal dan sekaligus mencintainya berbekal pendekatan yang dilakukan dengan pola kekiniian.

Perbincangan yang berkaitan dengan masyarakat serta kebudayaan dan seni tradisi, tak terlepas dari tatanan masyarakat dengan struktur  sosial, nilai-nilai, norma tradisional di mana sebagian masyarakat masih membayangkan sesuatu yang ideal dan asli.

Secara umum, tradisi dapat diartikan sebagai kebiasaan turun-temurun sekelompok masyarakat berdasarkan nilai budaya setempat. Tradisi memperlihatkan bagaimana anggota masyarakat bertingkah laku, baik dalam kehidupan yang bersifat duniawi religi, atau gaib.

Di dalam tradisi, telah diatur: bagaimana manusia berhubungan dengan manusia yang lain, atau satu kelompok manusia dengan kelompok manusia yang lain, bagaimana manusia bertindak terhadap lingkungannya, dan bagaimana perilaku manusia terhadap alam.

Dengan demikian, tradisi berkembang menjadi suatu sistem, memiliki pola sekaligus norma, serta mengatur penggunaan sanksi dan ancaman terhadap pelaku pelanggaran dan penyimpangan.

Seni masa depan harus mampu menjelaskan identitas kulturalnya. Seni yang menanamkan sebelah kakinya di spirit tradisi yang tumbuh bersama sejarahnya. Jika seni pertunjukan masa kini tak melihat tradisinya, maka ia menafikan tubuhnya sendiri.

Boby sendiri telah menetapkan pilihan berkreasi dengan basis tradisi Jawa dalam tafsir bebas, berikut  tanggung jawab kreatifnya. Lewat karyanya, ia menyihir seratusan penonton yang memenuhi kursi di Ladang Nan Jombang. Hening menyimak tiap gerak di atas panggung.

 Sumber :
http://www.kelola.or.id/blog/?p=801

Tari Tradisional Liwa kian Renta

Novan Saliwa, seniman tari, tinggal di Jakarta

oleh Novan Saliwa

Estafet seni tari tradisional di wilayah Liwa dari para pendahulu kepada para pemuda hendaknya terus bersambung melalui kegiatan–kegiatan pelatihan di pekon-pekon dan dalam aktivitas sanggar yang ada.

Menyusuri perkampungan asli ulun Lampung di Liwa, di sepanjang jalan mata kita dimanjakan dengan arsitektur lamban langgar (rumah panggung) dari kayu yang berjejer menghadap jalan. Tampak begitu menyatu dengan alamnya yang masih hijau nan sejuk jauh dari ingar-bingar kegaduhan polusi dan kecongkakan gedung-gedung bertingkat.

Dari Pekon Watos, Gunungsugeh, Negeriagung, Sebarus, hingga memasuki pusat kota kecil Liwa, masih bisa kita jumpai keramahan ibu-ibu di tengebah (halaman rumah) yang sekadar bertegur sapa, “Aga mit ipa?” (mau ke mana?) sembari menjemur kopi atau asyik menyapu halaman dengan mengenakan sinjang lipatan kain sarung di pinggang menutupi hingga kakinya, dan kadang bagi mereka yang telah di usia tua mengenakan kumbut kain penutup rambut di kepala.

“Liwa Kota Berbunga”, sebuah slogan yang menyambut kita saat memasuki Teba Serbaya, gerbang Kelurahan Pasar Liwa, Liwa. Berbunga adalah singkatan dari Bersih Berbudaya Penuh Kenangan. Ya, Liwa dengan alam yang memikat, dikelilingi bukit-bukit menghijau juga kelestarian seni tradisinya seperti sastra klasik, musik, dan tari-tarian tradisionalnya.

Tokoh Tari Liwa

Jika kita berbicara pelestarian kesenian tradisional, khususnya tarian daerah Liwa, tak bisa lepas dari andil dan perjuangan para sesepuh tari selaku pendahulu dalam upaya mempertahankan serta melestarikan tari-tarian khas, di antaranya tari setangan, tari payung, tari piring, dan tari kipas. Ada beberapa orang sesepuh tari di wilayah Liwa, di antaranya M Sufi (67) dan Sarpawi (70), dan seorang lagi yang biasa panggil Tamong Kamal (alm.) di Setiwang, Negarabatin.

Sosok–sosok tersebut di antaranya yang pernah berjuang melestarikan tari-tarian khas Liwa seperti disebut di atas. Mereka mengajarkan tari ke setiap kampung yang ada di Liwa, banyak murid binaan mereka yang telah berumah tangga lantas tak lagi menari. Angkatan terakhir yang mereka ajar adalah tahun ‘90-an sebelum dan setelah gempa Liwa 1994. Sayangnya, generasi setelahnya semakin berkurang hingga kini kehilangan peminatnya.

Dijumpai di kediamannya sekitar Teba Serbaya, Kelurahan Pasar Liwa, 8 Januari lalu, sosok M Sufi yang sederhana serta begitu bersahaja membuka diri untuk berbagi ilmu dan pengalamannya di bidang tari. Beberapa tarian yang dikuasainya adalah tari setangan, tari payung, tari piring dan tari kipas. Selain itu, ia juga pandai memainkan musik hadrah, sebuah kesenian yang ada di Liwa. Terpajang di dinding rumahnya sebuah foto kenangan saat ia berkesenian bersama grup kesenian hadrah.

Sesekali ia berkata-kata lewat gerak tubuhnya. Walau sudah lanjut usia, masih tersirat esensi gerak tubuhnya yang begitu mendalam. Ia mengayunkan tangannya dari kanan ke kiri perlahan serta mengalir. Terkadang ia berhenti sejenak seraya menunduk melawan lupa berupaya mengingat kembali ragam gerakan yang telah lama tak ia gerakkan. “Kalau ini ngegayung,” ujarnya saat menjelaskan ragam gerak pada ayunan tangan, sekilas seperti silek (silat).

“Kidang inji tari (Tapi ini tari),” ujarnya sambil menutup gerakan dengan posisi sumbah (hormat).

Gerakan yang baru saja ia lakukan adalah ragam gerak dalam tari kipas untuk laki–laki. Gerakan tangan yang kadang membuka seperti kepakan sayap burung elang dipadu gerakan kaki yang sigap dan hati-hati, gerak tubuh mengalir mengikuti gerak tangan, semuanya dilakukan dengan tak berlebihan dirasakan dengan tenang tanpa tergesa-gesa, posisi menarinya kadang seperti saling berlawanan, kadang juga berjajar menunjukkan kesamaan keselarasan.

Itulah sosok M Sufi di dalam usia senjanya. Ia sangat terbuka dan santun dalam berkata-kata serta tak sukar untuk berbagi pada siapa pun yang datang bertanya, jiwa kokoh seperti itulah yang mengiringi perjuangannya mengajar tarian daerah Liwa sekaligus berjuang untuk kehidupan pribadinya.

Zaman Radu Berubah

Satu lagi sesepuh tari di Liwa, Sarpawi, yang lebih dikenal dengan Among Pawi. Ia bersama almarhum Kamal dan M Sufi pernah belajar tari dari seorang guru bernama Hasnal dari Krui yang sering berkebun di Liwa.

“Zaman radu berubah,“ ujar Among Pawi di kediamannya di Dusun Umbul Liyoh, 9 Januari lalu.

Ia menyampaikan kegelisahannya melihat anak muda kini yang tak lagi tertarik belajar kepada yang tua. Ia juga tak menjumpai lagi pembinaan tari khas Liwa di berbagai pelosok pekon (desa). Padahal saat muda ia masih sering dipanggil mengajarkan tari di berbagai pekon.

“Era 1970-an hingga awal 1990-an masih sering digelar perlombaan tari-tari khas daerah Liwa,” kata Among Pawi.
Banyak pekon yang aktif terlibat dalam perhelatan perlombaan menyambut hari kemerdekaan yang kebetulan bertepatan dengan hari kelahirannya 17 Agustus 1945.

Kepiawaian Among Pawi dalam menari masih bisa saya rasakan saat ia memeragakan ayunan tangan dalam tari kipas. Kekokohan kakinya ketika melakukan kuda-kuda atau disebut mendak dalam tari, langkah kaki yang disebutnya ngejinjing masih terlihat indah esensinya walau tak sekokoh ketika ia masih muda. Saat ini karena usianya telah lanjut terkadang kakinya bergetar karena tak lagi mampu menopang beban tubuh terlalu lama.

Baik M Sufi maupun Sarpawi saat ini memang tak mampu lagi untuk mengajar tari secara maksimal. Namun, sebenarnya perjuangan mereka mengembangkan seni tari di Liwa yang tidak sebentar dan tidaklah mudah, bahkan harus menempuh jarak tempat mengajar yang jauh dahulu dengan berjalan kaki membuahkan hasil. Kini, masih ada murid mereka yang masih bisa memberikan penjelasan mengenai gerakan tari yang pernah mereka ajarkan di berbagai pekon di wilayah Liwa.

Merosotnya Minat Kaum Muda

Sayang sekali anak-anak muda Liwa kini tidak lagi menaruh minat belajar tari kepada mereka sesepuh tari di Liwa. Hiburan-hiburan yang mudah dan praktis, musik–musik modern, tari, dan goyangan yang begitu bebas lebih mereka gemari.
Kurangnya fasilitasi dan wahana berkesenian di Liwa dari pemerintah juga menambah surutnya seni tari di daerah ini. Seniman tari tradisional Liwa harus mempertahankan kesenian mereka sendiri di tengah semakin sulitnya memenuhi kebutuhan ekonomi sehari-hari.

“Kebutuhan alat musik, kostum, dan perak-pernik lainnya terkadang menjadi ganjalan untuk bisa turut secara maksimal dalam perlombaan yang diadakan pemerintah kabupaten selama ini. Akhirnya terpaksa tak ikut lomba,” kata Yuni (30), warga asli Setiwang, Liwa, yang pernah menjadi anak didik M Sufi di awal 1990-an.

Estafet seni tari tradisional di wilayah Liwa dari para pendahulu kepada para pemuda hendaknya terus bersambung melalui kegiatan–kegiatan pelatihan di pekon-pekon dan dalam aktivitas sanggar yang ada. Namun, kenyataannya saat ini, kebanyakan pelatih muda yang ada di Liwa lebih mengenal tarian dari luar, seperti tari sigeh penguten, daripada tari batin yang memang ada di Liwa, lebih gemar mengadopsi ragam gerak tari melinting ketimbang mengeksplor ragam gerak tari kipas, dan juga tak paham jika di Liwa ada tari setangan dan tari payung yang memiliki kekhasan tersendiri.

Dalam perhelatan seni kadang hanya terjebak dalam kemeriahan kostum semata, tak menunjukkan identitas serta tatanan kaidah nilai yang ada di suatu daerah.

Untuk eksistensi tarian lokal seperti tari payung, tari setangan, tari piring, dan tari kipas, ada baiknya jika kita sebagai pelaku seni tari yang berada di Liwa saat ini mulai menyadari bahwa keragaman seni budaya dari berbagai daerah dan wilayah adalah suatu bentuk keindahan yang perlu dihormati untuk kemudian dipelajari dan diangkat menurut daerahnya masing-masing.

Akulturasi dan kombinasi gerak memang dituntut untuk sebuah koreografi tradisional agar bisa dirasa lebih indah dan lebih bervariasi. Akan tetapi, pijakan dasar, yakni bentuk, teknik, beserta nilai suatu gerakan yang diambil haruslah bisa dijelaskan dan diintegrasikan secara jujur dan kuat ke dalam suatu bentuk karya tari demi tujuan utama melestarikan dan mengembangkan tari tradisional di Liwa.

Harapan terbesar bagi para seniman tari adalah bahwa tarian Liwa atau tarian Lampung Barat pada umumnya benar-benar memiliki kekhasan tersendiri. Sungguh disayangkan jika hendak mengangkat tari tradisional dari suatu daerah, tetapi malah bernuansa dan memiliki rasa daerah lain. Dan, ketika ini yang terjadi, maka dipastikan bahwa tarian Liwa tidak menjadi tuan rumah di rumahnya sendiri.

Jejama ngandan hadat budaya
Mak pileh tuha atawa ngura,
Pemerintah rakyat beguwai jejama,
Tanda sukor di sai kuasa.

sumber
Apresiasi | Lampung Post, Minggu, 18 Januari 2015

Ketika Muri Mencatat Tari Bedana

Tari Bedana

Museum Rekor Dunia-Indonesia (Muri) mencatat tari bedana dengan jumlah penari terbanyak. Pemecahan rekor tari bedana diikuti 2.000 penari dan diprakarsai Dewan Kesenian Bandar Lampung (DKBL) yang digelar di Stadion Pahoman, Bandar Lampung, Kamis (20-6).

Kegiatan yang ditaja untuk menyemarakkan HUT ke-331 Kota Bandar Lampung ini didukung musik pengiring 30 siswa SMP dan SD yang menabuh gamolan Lampung dan 10 pemusik akustik seniman Dewan Kesenian Bandar Lampung (DKBL) dengan sound system berkekuatan 50 ribu watt.

Di hadapan tim dari Muri dan ratusan tamu undangan, para penari yang terdiri dari siswa SMP dan SMA negeri/swasta se-Bandar Lampung ini unjuk kebolehan berlenggak-lenggok menarikan tari pergaulan muda-mudi Lampung dengan sempurna.

Selama 15 menit para penari yang mengenakan busana kaus putih dipadukan celana panjang hitam dengan rampak dan rancak menarikan tari tradisi Lampung yang dipengaruhi budaya Islam.

Tari yang biasanya dibawakan dalam acara-acara adat dan acara yang tidak formal sebagai ungkapan kegembiraan ini ternyata tak kalah menarik dari tari poco-poco. Setelah tim dari Muri meneliti dan mencatat dengan saksama, tari bedana dengan peserta terbanyak ini berhasil memecahkan rekor Muri dengan nomor sertifikat 6027/MURI/V/2013.

Pada kesempatan itu, sebagai buktinya, Manajer Muri J. Ngadri menyerahkan sertifikat Muri kepada Sekretaris Kota Bandar Lampung Badri Kamal mewakili Pemkot Bandar Lampung Ketua Umum DKBL Eva Dwiana sebagai pemrakarsa kegiatan dan kepada ketua harian DKBL sebagai pelaksana kegiatan.

Ngadri mengatakan pergelaran tari bedana memecahkan rekor tari kreasi budaya dengan jumlah peserta terbanyak. "Sebelumnya ada rekor tari serampang 12 dengan peserta 1.500 orang. Lebih lanjut, Ngadri mengatakan dengan mencatatkan rekor Muri untuk tari bedana ini, Bandar Lampung tercatat menjadi salah satu dari tiga kota di Sumatera yang sering memecahkan rekor Muri," ujar J. Ngadri.

Warisan Budaya Ketua DKBL Eva Dwiana mengatakan keberhasilan ini merupakan hasil kerja sama berbagai pihak. Tari bedana sebagai salah satu warisan budaya dan kearifan lokal Lampung yang harus terus ditumbuhkembangkan. "Mudah-mudahan dengan kegiatan ini tari bedana makin dikenal dan memasyarakat. Kalau bisa tari bedana go nasional seperti tari poco-poco," ujar Eva, yang juga istri Wali Kota Bandar Lampung Herman H.N.

Ketua Harian DKBL Yudhi mengatakan upaya yang dilakukan DKBL ini tidak akan berhenti hanya sebatas pemecahan rekor, tetapi akan berusaha terus melakukan pembinaan berkesinambungan. Para pelajar Lampung sangat antusias mengikuti kegiatan ini, kemarin ditargetkan 1.500 penari, ternyata tambah lagi 500 penari bergabung. Jadi, pesertanya 2.000 penari.

"Mungkin ke depan nantinya bisa mengagendakan lomba tari bedana. Saya mengucapkan terima kasih kepada berbagai pihak yang telah mendukung hingga terlaksana dengan sukses pergelaran ini," kata Yudhi.

Sekretaris Kota Badri Tamam mengatakan Pemkot Bandar Lampung punya komitmen untuk terus menggelar kegiatan kesenian dan budaya. "Ini merupakan salah satu upaya untuk menumbuhkembangkan dan melestarikan budaya daerah Lampung, seperti tari bedana yang mempunyai nilai estetika, filosofi, dan spiritual. Tari bedana bisa menjadi pilihan remaja Lampung untuk berkreasi," ujarnya. (UZK/CR5/S1)

Sumber: Lampung Post, Jumat, 21 Juni 2013